Aleksandr Kharon

BIOGRAPHY ART WORK EDUCATION CONTACT US ARTICLES BOOKS LINKS SITE MAP

 

 

 
Загадка миров

Ключ к познанию искусства Византии.

«Дух европейский победить не может великойвизантийскойкрасоты»
Отец Авраам

Наставник
«Мельница мелит, а мельник зерно в неё бросает – трудиться. Так мука получается, из которой хлеб и пирожки пекутся. Это подобно тому, как человек в церкви стоит и Богу молиться, а потом радость и благодать неизреченная бывает».             Старец Андрей Машков.

 

           
            ТВОРЧЕСТВО   АЛЕКСАНДРА   ХАРОНА
Новые большие перемены в России привели к тому, что многие имена художников явились перед широкой аудиторией публики в Европе и во всем мире искусства.  
Для американцев эти перемены дали прекрасную возможность ощутить чрезвычайное богатство много вековой культурной традиции, а также понять что-то из трудной истории советского общества, где художественное выражение было в полном подчинении политической идеологии СССР.
        Некоторые талантливые художники, такие как Александр Харон прошли через множества бедствий и испытаний с КГБ и с официальными партассами совкового массового искусства.
         Истинная природа творчества есть иконография.
Используя древнею Византийскую и Русскую традицию Александр практически безупречно написал множество иконостасных и аналойных икон.
А также монументальное - архитектоническое выполнение фресок внутри храмов написаных энкаустическими материалами, сделало его творчество бессмертным.
И потому стало лёгкою целью преследования органами КГБ в Советском Союзе, где религиозное искусство было запрещено законом - ,,person non grata.”
Для Александра выбор был очевиден, либо пойти в тюрьму, либо покинуть родину.
Александр Харон решил покинуть навсегда территорию СССР, но в душе всегда жить с Православной Россией. 
        С семьёй, женой и тремя детьми в 1989 году Александр эммигрировал в Соединённые Штаты Америки, проведя некоторое время в сверкающе чистой столице Австрии Вене и в прекрасной Италии.
        Вдохновлённый красотой архитектуры, живописи, фресок итальянского ренессанса он пишет иконы наполненные Божественным светом, энергией.
        Александр был замечен архиепископом Данте Бернини и приближен к Римскому Папе Иоанну Павлу 11-му.
Затем, приглашен в Албано - резиденцию Его Святейшества для росписи икон в Византийском и Русском стилях.
Так им за короткое время было написано 15-ть великолепных канонических икон для Ватиканской Церкви.
        Александр Харон не только один из выдающихся иконописцев второй половины 20-го века, но и интереснейший художник нашего времени.
Кроме религиозной живописи он также удивительно разнообразен в стиле и жанре.
Поскольку духовная жизнь является критерием его творчества, постольку все темы и предметы тщательно отбираются, гиперболизируются  приёмами искусства метафоры, идеализации и переростают в прекрасный миф, преобразовывая новую форму.
        Итак, во всех периодах его творчества, во всех полотнах: портретах, пейзажах, натюрмортах можно увидеть, как эмблему, его личной культурной Одиссеи, его восприятия новизны через культурно исторический опыт предшествующих поколений.
Именно так, а не иначе решаются глобальные проблемы в мировом искусстве, считает Александр Харон.
            Продолжая повествование о втором эммиграционном периоде Александра и его семьи я вынужден отвлечь ваше внимание от высоких проблем искусства и перейти на краткую повесть жизненного пути художника.
С Александром я познакомился в Одессе в 1967-году, когда нам было по 15-ть лет и мы подружились.
В то время Александр учился в художественной школе, а я в английской и нас объединяла любовь к искусству.
Мы жили в одном большом хрущёвском доме на юго - западном массиве и спорили на разные темы.
Затем, учась в университете я делал переводы с английского на русский язык таких гениальных мастеров мировой литературы и поэзии как Вильям Шекспир, Уолд Уитмэн; тогда Александр Харон нарисовал множество графических произведений к моим переводам.
Эммигрировали из СССР мы в одно время и в Италии встретившись в Риме, в электро-поезде мы радостно беседовали и вдруг к нам подошёл кондуктор и сказал:   ,,Но инглези! Но франчези! Но руссо! Парло итальяно!  Мы рассмеялись и тихо продолжали беседу.
Сейчас Александр с семьёй живёт в Сан Франциско, а я в Нью Йорке и мы иногда переписываемся, перезваниваемся и встречаемся.
В Соединённых Штатах Америки возможностей много, но Александр сталкнулся с задачей ужиться с совершенно иным миром. С миром, о котором не было достаточно знаний, и в котором всё непредсказуемо. СССР с Западом сорок лет разделял железный зановес холодной войны.
        В борьбе за физическое выживание с этими жесткими реалями западного общества, где талант нужно было приспособить для того, чтоб представлять только комерческий интерес, Александр стал в конфронтацию с галерейным ширпотребом и неодекватно реагировал на возникающие проблемы.
        Этот опыт был психологически болезненный, вынуждая его соизмерять свой опыт и силы против коньектурщиков - конкурентов.
Пришлось начинать жизнь заново, так как европейский ,,имедж” в америке не работает, его игнорируют.
Здесь все галлереи законные рабы доллара.
Мощное творчество Александра Харона является не просто реакцией на сопоставление европейской и американской культуры, а некий сплав традиции и новизны.
Александр в своих картинах взывает к духовной сущности Человека как Образа и Подобия Божия, не взирая на рассовую и национальную принадлежность.
В этом смысле его двойное человеческое гражданство позволяет ему отбросить всё лишнее и сконцентрировать своё внимание на глобальных темах.
Необходимо отметить и то, что при такой селекции Александр фокусирует зрителя в область внутренних переживаний – личных эмоций художника.
        Интерестно, что портреты написаны им в иконописном стиле напоминают портреты Эль Греко, Тициана, Рембрандта Гарменса Ван Рейна.
В пейзажах – есть экспрессия Винцента Ван Гога и логика Поль Сезана, романтика Поля Гогена, а натюрморты экспериментальны в разных стилях.
Линейные рисунки Александра Харона ассоциируют нас с рисунками братьев Гольбеин, Амедио Модильяни, Пабло Пикассо.
        Итак, творчество Александра разнообразно и наполненно Духом и отмеченно ,,kissed by the God”- прикосновением Божьим.
Чистая форма сочитающая композиционный баланс наполненная созерцательной живописью, не так как жизнь есть, а как жизнь должна быть в мире искусства.
Назовите его творчество символическим реализмом или как пожелаете, но скорей всего оно являет собой простое человеческое искусство устремлённое к изображению Божественной Красоты.
Историко - культурные знания прошедших эпох изобразительного искусства сплавленные с модернизмом начала Третьего Тысячилетия дают настоящим художником силу и место творчества в Божественном Мироздании – считает Александр Харон.
        Это есть ответ Александра на ,,performans neo geo..,” на новое американское искусство. Во все времена развития Человечества История доносит до нас универсальное и вселенское, личное и космическое - религиозное Искусство и Богословие в красках для прославления Бога Творца в Троице Единного.
        Искусствовед Алекс Чоклин. Нью-Йорк. 1997-й год.
Инстолировал вебсайт Илья Жуковский в 2008-м году.
Перевод с английского языка сделан Евгением Хариным, Олегом Поповым в 1998 –м году, в Сан – Франциско, Калифорнии, Соединённых Штатах Америки.                                                                                    

Таких меценатов, как известно, теперь уже нет, и наш XIX век давно уже приобрел скучную физиономию банкира, наслаждающегося своими миллионами только в виде цифр, выставляемых на бумаге. Гоголь. Портрет.
"Что это? - невольно вопрошал себя художник. - Ведь это, однако же, натура, это живая натура; отчего же это странно-неприятное чувство? Или рабское, буквальное подражание натуре есть уже проступок и кажется ярким, нестройным криком? Или, если возьмешь предмет безучастно, бесчувственно, не сочувствуя с ним, он непременно предстанет только в одной ужасной своей действительности, не озаренный светом какой-то непостижимой, скрытой во всем мысли, предстанет в той действительности, какая открывается тогда, когда, желая постигнуть прекрасного человека, вооружаешься анатомическим ножом, рассекаешь его внутренность и видишь отвратительного человека? Почему же простая, низкая природа является у одного художника в каком-то свету, и не чувствуешь никакого низкого впечатлениям; напротив, кажется, как будто насладился, и после того спокойнее и ровнее все течет и движется вокруг тебя? И почему же та же самая природа у другого художника кажется низкою, грязною, а между прочим, он так же был верен природе? Но нет, нет в ней чего-то озаряющего. Все равно как вид в природе: как он ни великолепен, а все недостает чего-то, если нет на небе солнца".
О портрете
Тройное взаимодействие портрета: – художника и модели; – портрета и модели; – портрета и зрителя.
Художник должен в себе осознать модель в трёх составляющих: – телесное; – душевное;– духовное. По степени восхождения.
Почему художники любят писать духовно близких людей: – святых, детей, родителей, красивых жен, поэтов, музыкантов, художников меценатов и конечно автопортреты?
Потому, что происходит взаимное обогащение через обмен знаний, эмоций, денег –энергий на высшем душевном уровне. Художник приобретает когда пишет образы святых, детей и добрых людей, а изображая лукавых людей теряет и поэтому необходимо получать финансовую компенсацию.
          Мы рождённые и воспитаные в Союзе в 50-х – 70-х годах хорошо помним Ильфа и Петрова и их классические произведения: ,,Двенадцать стульев”,  ,,Золотой телёнок”. Разговор с подпольным миллионером Корейко. «Познакомившись с вами, я даже пострадал душевно». И Корейко заплатил.
А Эйнштейн как хорошо сказал: ,,Чтобы Атом поделился, то его необходимо подвергнуть непрестанной бомбардировке”.
          Живописец вбирает в себя разноплановую информацию об изображаемом человеке: на энергетическом, ментальном, эмоциональном плане – и трансформирует её в художественный образ.
О мастерском портрете Сонечки Лефи.
Если ты, глядя на пространство портрета Сонечки вспоминаешь купол собора как космическую модель, то это есть свидетельство того, что девочка включена в пространство мировой изобразительной современной культуры.
Значит происходит то, что духовно развитый художник лечит душу человека, которого он положительно изображает – идеализирует в искусстве.
Выявление и фиксация положительных качеств формируют портрет.
Своеобразный экзерцизм в процессе написания, познания очищения образа.
Создаётся своеобразный камертон для корректировки личности в Боге.
Художник желает оправдать модель. Понять – значит потеснить своё эго. Сосредотачиваться на лучших качествах, чтобы увидеть образ личности.
Но для того, чтобы увидеть эти качества, художник сам должен обладать ими или по крайней мере стремиться стяжать их - простоту, доброту и любовь.
          Маэстро должен не только вобрать в себя пласты мировой культуры, то есть иметь развитый ментальный план, но иметь все три составляющих – развитый физический, душевный, духовный настрой по восходящей прямой.
Владение техническими средствами. Технологией. Знание возможности различных материалов изобразительного искусства обогащают мастерство.
          Композиция – включает в себя не только знание основных форм закономерностей равновесия, ритмов, но и пространство всего формата.
И потому не всё равно – кто будет писать портрет – ремесленник или мастер.
Творчество из которого рождается Шедевр.
          Само слово творчество древнеславянское и обозначает процесс творожения или на современном русском языке створаживание.  
Творчество – это створаживание, когда сывородка выливается, а остаётся творог. Это точное сравнение с художественным творчеством.
Мы знаем множество великолепных мастерски выполненных живописных произведений, но когда ты созерцаешь полотно, и оно духовно радует твою душу то возникает такое ощущение, что ничего нельзя добавить или отбавить, или изменить, ничего нельзя. Тогда знай, что ты видишь перед собой шедевр – высшее произведение искусств!
Например: Рембрандт Гарменс Ван Реин «Возвращение блудного сына», - я впервые увидел эту картину в оригенале в Сан – Питербурге, в Эрмитаже, когда мне было 15-ть лет и я запомнил на всю жизнь этот шедевр.
В то время меня также восхитили полотна неистового Винцента Ван Гога. Его ,,Куст”ростет во все стороны и пульсирует прямо на глазах.
  Эль Греко - «Красный кардинал». Оказавшись в Америке, в начале 90-х я посетил своих родных в Нью – Йорке и немедленно направился в музей Метрополитен и с огромным удовольствием за пять часов постарался обежать все залы. На следующий день я встретился с другом юности талантливым скульптором Леонидом Лерманом, который женившись на американке уехал в 1980-году жить в США, в Нью - Йорк.
Встретившись я рассказал ему, что наконец то мне удалось, с Божьей помощью, посетить музей. Леонид спросил меня как мне понравился ,,Красный кардинал”- творение Эль Греко? Я ответил, что не видел его. Леонид уверенно сказал: ,,Считай что ты не был в Метрополитене!”            
Я попросил Леонида развернуть машину и показать мне зал где она находится. По пути я купил спортивную обувь и быстро побежал в зал Эль Греко любоваться шедевром.
В последствии я неоднократно проводил много времяни в этом зале и чувствовал как Красный кардинал с полотна Эль Греко помогал мне бороться против разных искушений.
Холст Винцента Ван Гога, я увидел в Метрополитене Музеи Искусства. Это был пейзаж с кипарисами и не мог оторвать мой взгляд от этого шедевра.
«Девочка на шаре» Пабло Пикассо – филосовски, художественно и эмоционально збалансирована, рисунок просто гениальный, а живопись гармоничная, воздушно-крылатая.
Все эти произведения безусловно являются шедеврами мировой живописи - считает художник - иконописец Александр Харон.
Александр Харон впитал в себя мировое культурное наследие.
В России, в Питере Александр учился, работал и жил.
          В Украине, в Одессе он родился, учился, работал и жил.
          В Италии, в Риме писал иконы для Ватикана.
          В Америке, в Калифорнии, в Сан – Франциско работает и живёт.
          Разговор с бизнесменом.
          Я писал портрет одного бизнесмена, и его семьи и довольно долго общался с ним. Однажды в его офисе, где он сидел и курил сигару, он спросил художника: ,,Александр! Ты общаешься со мной на равных, а ведь знаешь, что я «вешу под арбуз» (миллиард долларов).”
Художник ответил: «А сколько же тогда «весит» моё культурное знание и моё время, затраченное на овладение мировым культурным наследием? Мастерство и время?».
          Затянувшись сигарой и выдохнув облака дыма он улыбаясь произнёс: Ну, ладно. Я понял. Хорошо! Иди работай.
А.С. Пушкин «Разговор книгопродавца с поэтом»
И тяжким, пламенным недугом
Была полна моя глава;
В ней грезы чудные рождались;
В размеры стройные стекались
Мои послушные слова
И звонкой рифмой замыкались.
В гармонии соперник мой
Был шум лесов, иль вихорь буйный,
Иль иволги напев живой,
Иль ночью моря гул глухой,

 

ТВОРЧЕСТВО В КОНТЕКСТЕ КУЛЬТУРЫ (изобразительного искусства). А. А. Тарасенко.
По М. Бахтину. «Большое» и «малое» время.
Рассматривая картину «Купание красного коня» в контексте мирового искусства, мы опираемся на теорию «большого времени» М.М. Бахтина, с точки зрения которой нужно понять и оценить каждый образ.
Учёный утверждает, что художник, существующий в пространстве «малого времени», т. е. современности несёт в себе опыт предшественников.       Таким образом, «взаимопонимание столетий и тысячелетий, народов, наций и культур обеспечивает сложное единство всего человечества, всех человеческих культур» 6. Бахтин М.М. К методологии литературоведения // Контекст-1974. Литературно-теоретические исследования. – М.: Наука, 1975. – С. 211.
          В книге М.Н. Соколова «Мистерии соседства» рассматривается проблема метаморфологии искусства Возрождения-барокко (XIV-XVII вв.) – эпохи, которая стала первым рубежом Нового времени. Автор показывает, что в период «Нововековья» искусство вступило в поле живописного диалога с наследием Античности и Средних веков. Этот процесс предопределил диалогический характер современной культуры7. Соколов М.Н. Мистерия соседства: К метаморфологии искусства Возрождения. – М.: Прогресс-Традиция, 1999. – 520 с., 16 с.: цв. ил.
Созданная на основе творческого диалога с наследием европейского и русского искусства картина К.С. Петрова-Водкина «Купание красного коня» вмещает культурную память, заложенную в мотиве всадника его предшественниками. Зритель при восприятии и интерпретации произведения, также как художник при написании, основывается на знании мировой культуры. Для проникновения в глубинный смысл этого символического полотна необходимо знать, какие произведения были созданы мастером в период, близкий к созданию «Купания красного коня», а также направление его дальнейшего творчества. Для «прочтения» образа важно учитывать историческую ситуацию и соотносить его с творениями современников.
          КУЛЬТУРА – ПОКЛОНЕНИЕ БОГУ. 
          Должно быть целомудрие в искусстве.
В космосе нет хаоса всё Богомудро и художник творит подобно Творцу.
          Промыслительно возникает хорошо продуманная идея воплощающая себя в композицию, все её элементы систематизируются и органично деферинсируются. Большие идеи наполняют большие формы. Вся политра красок в работе на формате, где художник является писателем, режиссёром, постановщиком и актёром.
          Мы должны дерзать, то есть держать память о Творце всего видимого и невидимого миров, чтоб было дерзновение, но не дерзость.   
          Негативный гордый дух, это отрицание добра, дерзость, и в результате раздрожение, неудовлитворение и саморазрушение.

Позитивный чистый дух стремится творить и благодарить Бога.
          Бог приводил пред лице Адама всякую тварь и Адам давал ей Новое имя. В этом заключалось творчество Адама. Мы дети Адама и Адам был сотварён совершенным человеком – творцом.
          У нас потомков Адама только на малый процент ум задействован, а тотому мы имеем колоссальные возможности реализовать данный нам талант.
          Ибо будут все научены Богом. Когда человек работает и молится, то уже Господь ведёт его и является его Учителем.
          Из бесед с Александром Хароном.
ВОЗВРАЩЕНИЕ К СВЯТОЙ ВИЗАНТИИ.
От иконы к светскому портрету и от портрета к святой иконе.

Реанимация портрета – возвращение утраченного смысла

В начале было Слово, и Слово было у Бога, и Слово было Бог. Оно было в начале у Бога. Все чрез Него начало быть, что начало быть. В Нем была жизнь, и Жизнь была свет человеков. И Свет во тьме светит, и тьма не объяла Его. (От Иоанна Святое Благовесвование. Глава 1, 1-5. )
Был Свет истинный, который просвещает всякого человека, грядущего в мир (Глава 1, 9). И Слово стало плотию, и обитало с нами, полное благодати и истины; и мы видели славу Его,славу, как Единородного от Отца. Бога не видел никто никогда; Единородный Сын, сущий в недре Отчем, Он явил.  ( Глава 1, 14 и 18. ).
Искусство Византии характеризуется большей аскетичностью, духовной воспарённостью по сравнению с эмоциональной живописью и материальной скульптурой западной Римской империи. Так, например, в искусстве итальянского Возрождения (Ренессанса) весьма развито пластически чувственное начало, исходящее из сильного влияния развратного язычества.
Само по себе стремление Великого Рима превзойти во всём Великую Византию является порочным. Первоверховный апостол Пётр есть первый апостол и основатель Римской Церкви и он любил своего родного брата апостола Андрея Первозванного, который есть основатель северной Византийской Церкви – Русской Православной Церкви.
НАСЛЕДИЕ ДРЕВНЕЙ РУСИ из Гончаровой
Обращение к различным традициям и стилям было принципиально для художников «левых» направлений в искусстве начала XX века, стремящихся обрести раскованность художественного языка. Средневековое и народное искусство было востребовано не случайно: ,,Они имеют одну основу – коллективную память, в которой выражены этические и эстетические идеалы нации”. Иллюстрируя отношение к иконописи ее тогдашних ценителей, приведем слова М. Волошина: «Как античный мир для людей Ренессанса, древнее русское искусство встало во всей полноте и яркости перед нашими глазами. Оно кажется сейчас так ярко, так современно, дает столько ясных и непосредственных ответов на современные задачи живописи, что не только разрешает, но и требует подойти к нему не археологически, а эстетически непосредственно»1. Волошин М. Чему учат иконы? // Аполлон. 1914, № 5. С.26.
Дохристианская маска и новый неувядающий образ.
Экклезиаст – «Всё суета сует…» с умиранием – изображение красоты лишается смысла.
После Христа всё наполнено любовью. До Христа человек был озабочен неминуемостью смерти. Мортириум. Даже боги греческие умирали. Зевс убивает Хроноса (то есть время).
Благодаря тому, что Господь воплотился и вочеловечился, мы стали видеть, понимать греческий миф символично, а с Воскресением Господа Иисуса Христа весь Космос и человек как микрокосм стал нетленным.
Нет больше жала смерти. Человек восстанавливается в своём вечном первозданном образе.
Это новое состояние Космоса нашло своё выражение в искусстве Византии.
Да, эллинский метафизический гений после длительной болезни стучался в дверь тайн данного Богом христианского откровения.

ПУТЬ

Статья А.Х. об искусстве эллинизма.
Коренной подход к логической связи вещи и слова, силлогизмов          (в одном слове заключено большое понятие, которое можно рассматривать с разных сторон филосовской призмы), порядка организации Космоса –  Красоты искусства: пропорциональности, ритмичности, стилизации – обобщения образа. Вот почему греческая философия и искусство явились фундаментом христианской культуры.
Ренессанс – это возрождение культуры эллинизма и Византии.
Византийский христианский канон стал выполняться в лучших эллинистических традициях. В основу Богословия вошли все эллинистические философские термины, понятия. Это всё равно как теорема Пифагора, которой мы пользуемся по сегодняшний день на Земле.
БОГОСЛОВИЕ ОБРАЗА
Богословие и история происхождения образа.
Orthodox Theology and History of The Origin of Iconography
Иконописец Александр Харон
Поклонение образу человеческой природы Господа Иисуса Христа   возносится к Первообразу – Сыну Божию вочеловечшемуся,
поэтому иконописание издревне называлось на Руси святым делом, а иконописца называли богословом (в простонародии богомазом).
Поскольку иконописец изображает человеческую природу Иисуса Христа Спасителя нашего, постольку он уловляет Благодать изобразить Божественную природу, Единосущного Отцу Сына Божия.

ПУТЬ К ОБРАЗУ. Ольга Андреевна Тарасенко.
Новое качество образа – обретение вечности.
Космос как высший порядок творчества.
1 этап – вдохновение
2 этап – композиция – организация больших форм, ритмов, линий, равновесия масс, цвета, света, заключённого в основные формы.
Равновесие, сбалансированность, мерность и пропорциональность.
Изобразительное искусство не должно терять своего образного языка. (Литературное повествование не должно доминировать над изобразительным искусством). Безусловно, живопись должна быть поэтична, музыкальна, но говорить своим языком. Этот критерий есть в искусстве эллинизма. Византия дала эллинистическому образу не просто символику, а радость вечности.
Иконописец должен быть как чистое стекло. Грехи мешают передать художнику Божественный свет, космический порядок, гармонию мира.
Подобно иконописцу художник должен стремиться к чистоте, чтобы восходить на вершину красоты творчества.
В эллинизме изображались боги или полубоги, герои, собирательный образ спортсменов. Только в христианстве личность не утрачивает своего значения, но святостью возносится и уподобляется Богу – обожается по благодати. Поэтому тех, кто достиг святости называют преподобными, то есть, в высшей степени подобными Богу.
О личном ТВОРЧЕСТВЕ художника - человека.
Микеланджело Буонарроти (1475-1564) в композиции «Сотворение Адама» (1508-1512) Сикстинской капеллы изобразил момент Ветхого Деньми летящего в космосе. Тело Адама было уже создано из глины, но этим не завершался процесс сотворения Человека. Микеланджело показал момент одухотворения плоти через приближение руки Творца и прикосновения к телу созданного Им Адама. Только после того как произошло прикосновение начался завершающий процесс творчества, который промыслительно должен закончить лично каждый из нас человек.
«И создал Господь Бог человека из праха земного, и вдунул в лице его дыхание жизни, и стал человек душею живою» (Быт. Гл. 2, ст. 7).
Сравнить с фреской «Воскресение Христово» или «Сошествие во Ад» (1316-1321) ц. Кахрие джами в Константинополе. Мы видим, как Сын Божий воскрешает из гроба Адама и Еву (а с ними и всех праведников).
В энергии, пластике и динамике – есть Божественная Творческая Сила воскресающая Человека 
Во фреске Микеланджело Бог Творец вдунул в созданного из перси земной Адама Дух Жизни. Могучее тело Адама было безжизненно до прикосновения-одухотворения. Это образное символика поясняет нам задачу художника как творца, который даёт энергию, а значит – жизнь, своему творению.
Возвращаясь к эпохе расцвета Византии – Палеологовской эпохи мы видим два источника света: первый, исходящий от Отца Светов и второй, исходящий из личности изображаемого Святого на иконе. В иконописи совершенно другой подход к выражению энергий, нежели в картинах Ренессанса. Это энергия ритмов, пластика монументальных пропорций тела. В иконописи всё  гораздо более архитектонично, нежели в росписях Сикстинской капеллы. Это происходит от того, что иконописец исходит от больших архитектурных форм, вписывая туда необходимую каноническую композицию, продуманную Соборной Церковью на протяжении многих столетий. А  Микеланджело в силу своей гениальности и титанического труда, полагаясь на личный опыт, создаёт свои произвольные композиции. Мы видим два разных подхода к творчеству Восточной и Западной церквей.
Оба эти подхода являют единый хитон христианской церкви.
В их соединении мы видим историческую полноту – целостность апостольских преданий и творческой энергии человеческой природы, устремлённой к познанию Божественной Красоты.
СВЕТ и МЕТОД
Иконописец и светский художник делают акцент на разном характере проявления энергии: физической и духовной. Светский живописец, например Микеланджело, выражает мощь своих титанических персонажей через гиперболизацию мышц тела. Иконописец, напротив, в стремлении выявить энергию Святого Духа показывает обожженную плоть по канонам Церкви.
Средства воплощения нового качества высшей энергии были выработаны через духовную практику ряда поколений не только монахов иконописцев, но и в первую очередь Вселенских Соборов на которых было выработано мнение об изобразительном искусстве от лица всей христианской Церкви исполненой Духом Святым. 
Без света нет проявления физического плана человека. Тьма поглощает тело, а свет проявляет тело из хаоса тьмы – упорядочивает Хаос в Космос. При создании образа иконописец совмещает свет внешний и внутренний.
Академизм – мёртвый, выхолощенный, лишённый внутренней энергии. Миф умер и вместе с ним его форма – поскольку форма потеряла содержание.
Не случайно модерн – органический стиль. Модерн реанимирует академизм. Скрещая его с национальным средневековьем = оживляя миф – мистика, мистерия. Мистерия – соединение плоти и духа. А. Иванов – христианская мистерия – таинство преображения плоти в другую энергетическую силу. Устремление к земным страстям Ренессанс. Утрата метафизической, сверхчувственной основы искусства. Создание иконы – мистерия.
О церковном творчестве иконописца (пространно).
В древнерусской живописи цветовая гармония воплощает в себе представление о мировой гармонии и главное содержание древнерусской иконы, по словам князя Е.Н.Трубецкого – “та несомненная радость, которую она возвещает миру”. Она выражается не в словах, а в красках, “как видение мирообъемлющего храма”40. Трубецкой Е. Два мира в древнерусской иконописи. – М., 1916. – С. 9.
О ТВОРЧЕСТВЕ
Если иконописцу дана Божественная благодать, Церковное предание, то художнику необходимо изучать культуру: анализировать, синтезировать и, таким образом, восходить от степени в степень на вершину человеческого творчества.
Законы красоты, гармонии и для иконописца и для художника-живописца одинаково объязательны.
          Творчество. Для оживления физического, эмоционального … нужны переживания живых, ныне здравствующих людей для эмоционального и физического воплощения вечной идеи. Художник переживая её материализует, даёт жизнь сейчас. Он является связующим звеном сего момента и вечности. Канон – вечное. Художник связывает канон со своим временем. Цель – соединение с идеальным – синергия.
Александр пишет по канону иконы - это есть служение миру.
Творчество – индивидуальное и коллективное. Канон и единая цель коллектива.
          Соразмерность с вечным через соразмерность личности с Божественным с Христом.
Канон как закон, как образец идеального. Коллективное стремление.
Канон – коллективное сознание – корректирует индивидуальное. Коллективное и индивидуальное сознание. Связь поколений художников, которые наследуют друг другу и дополняют энергию друг друга. Канон связан со стремлением коллектива к Богу. Канон даёт путь включения индивидуальности в коллектив. Он дисциплинирует, гармонизирует личное. Канон – лучшее состояние, к которому пришло индивидуальное сознание.
          Связь художников изучаемого нами периода с творцами различных эпох давали апробированные веками композиции. «Каноническая форма, – писал П.А. Флоренский, – это форма наибольшей естественности, то, проще чего не придумаешь <...> Они отучают от случайного, мешающего в деле движения. Чем устойчивее и твёрже канон, тем глубже и чище он выражает общечеловеческую духовную потребность»1. Флоренский П.А. Иконостас. Богословские труды. Сб. IX. – 1972. – С. 109.
Сам автор даёт нам право на творческое восприятие и трактовку смысла картины. По словам К.С. Петрова-Водкина, создавая художественное произведение, «необходимо доводить его до такой степени, чтобы оно дорабатывалось зрителем, – нужно дать зрителю возможность соучаствовать с вами в работе. Я сам не знаю – я не аналитик, я не могу докопаться, я беру предмет, а зритель его дорабатывает. Если вы взяли его в картину – он должен доделывать, додумывать, досознавать, быть соучастником в работе»2.
ОБЩИЙ ВЫВОД
От хаоса к Космосу.
Культура даёт стройный порядок.
Сезанн на языке изобразительного искусства обозначил основные формы и цвета сотворения мира. Художники авангарда, такие как Кандинский, Малевич – это стремление разрушить мёртвый образ и организовать, систематизировать Космос через простые геометрические формы. Их современник Петров-Водкин, трансформируя идеи Сезанна, Гогена, Матиса,
в то же время возрождал иконописное наследие Древней Руси (ссылка на мою книгу и на статьи). Расстрелянный в 1937 г. М. Бойчук в 1910-е годы создал иконописное направление, возрождающее на Украине византийское наследие.

КОМПОЗИЦИИ

Диптих «За свободу» и «Прощай оружие»

Моим учителем и другом был Александр Борисович Фрейдин.
Он является выдающимся художником 20-го столетия и продолжателем традиций южно-русской живописной (контражюрной) школы.
Самодовлеющая живопись - это его открытие и я был под его сильным влиянием.
Скульптурность. Пьета Микеланджело. Образ Христа для главного героя.
А.Б.Фрейдин имел в виду Маяковского.
Потом писал главного героя со Славы Голованова.
«Вы с нами вы с нами хоть нет вас в колоннах». Это не Испания, а то, что было в СССР в 33-37 годах культ личности Сталина.  Фрейдин очень любил читать Курта Воннегута, называя его социальным фантастом. Эзоповский язык – иносказательный был присущ Александру Борисовичу Фрейдину.

Тема жертвы. Ольга Андреевна Тарасенко.                                                               

Для раскрытия многомерного содержания образа всадника в картине «Купание красного коня» важно, что в то же время были созданы изображения убитого братом Авеля (невинная жертва) и «Вход в Иерусалим» (искупительная жертва). Остановимся на мотиве жертвенности.
В цикле лекций «Миф и литература древности» О.М. Фрейденберг уделила много внимания выяснению происхождения и сущности универсальной для всех древних культур идеи жертвоприношения. Отмечая их бесконечное многообразие, учёная выделила два обстоятельства. Первое заключается в том, что жертве отводится роль начала, связующего различные проявления бытия. И, во-вторых, центральной функцией жертвы является воссоединение жизни и смерти. При этом жертва-жизнь выступает в обличье молодых особей (растений, животных, людей и проч.), тогда как жертва-смерть – в обличье старых. Далее: жертва-жизнь связывается обычно с огнём и водой, тогда как жертва-смерть – с землей и низинами (ямами, пропастями и т.п.).
К иконе
Художник наделяет юношу-всадника характерной для Средневековья пассивной созерцательностью, свойственной и персонажу «Входа в Иерусалим». По представлениям византийцев, преисполненный духовным содержанием, включенный в божественную жизнь человек был неподвижен. Подвижным, исполненным нервного напряжения изображался человек «не успокоившийся» в Боге или просто не достигший цели своего жизненного пути. Иоанн Лествичник говорил, что тот, кто предается чистой молитве, уподобляется в глубине своего сердца неподвижной колонне17. Bell H. Byzantinisches Christentum. Munchen-Leipzig, 1923. – P. 54.
Безэмоциональность как бы застывших на какой-то важной мысли лиц персонажей картин К.С. Петрова-Водкина выводит их из сиюминутного переживания времени в вечно длящееся бытие. Несомненен трагизм образа юноши в «Купании красного коня», переданный наклоном головы и задумчивым выражением лица. Энергия коня подчеркивает созерцательную самопогруженность героя. Известно и высказывание самого художника, что его «Купание красного коня» было предчувствием драматических событий истории 1910-х годов18.
Она может быть поставлена в ряд пророческих предчувствий, столь распространённых в русской культуре начала века.
ГЕОМЕТРИЧЕСКИЕ ТЕЛА
И ОРГАНИКА – взаимосвязь вечного и временного.
Основы законов композиции. Закон контраста. («Троица» Рублёва).
Бог дал основные геометрические формы в двух измерениях: круг, квадрат и треугольник. В трёхмерном пространственном измерении: сфера, куб, конус. Геометрия сферы проявляется в Космосе, планетах. Геометрия квадрата проявляется в элементарных строениях. Геометрия треугольника проявляется в жёсткости пирамиды. Если геометрия сферы оптекаема, эластична, то треугольника – очень жесткая. Геометрия квадрата – для человека органично жить в кубе. Конус – это горы, кипарисы, пирамиды, подъемные краны. Бог заповедовал построить Святая святых, где человек бы мог жить дышать и молиться. Высота, ширина должна быть равна длине.
Колокольня – в виде жесткого треугольника.
Эти космические модели являются своеобразными матрицами как для макро- так и микро- мира. Они лежат о основе художественного произведения (законах построения). Они являются композиционными моделями в изобразительном искусстве.
Архитектура не является изобразительном искусством. Она несёт в себе космические закономерности.
Люди строят жилье в виде кубов.
Так же художник берет квадратный холст и строит на нём своё мироздание. Делает структуру. Так же делятся свет и тени. Основные цвета. Равновесие масс. Света и тени. Баланс. Архитектоника. Стремительность к верху. Холст должен быть сбалансирован. Это законы композиционно равновесия. Слешинский.
Татлин и Малевич. «Чёрный квадрат» и «Победа над Солнцем». Органические законы природы и космическая геометрия. «Троица» А. Рублёв. Жизнь в органической пластике. Соединение земной пластики и Божественной геометрии. Соединение временного и вечного.
Мы считаем, что на земле надо пользоваться теорией Эвклида, а в космосе теорией Лобачевского.
Икона – от видимого – к невидимому.
Проявление ангельских миров языком, доступным восприятию человека.
Икона вне перспективы. Или как пишет П. Флоренский – с обратной перспективой на нас и по своему образу мыслей близка абстрактной живописи. Высказывания Матиса. «Зачем русские художники едут учиться в Париж …». Моя книга. Спор Малевича и Татлина в иконописи примирился. Белый квадрат на белом фоне Малевича в МоМА – это тупик искусства. Духу нужна плоть – воплощения.

О ПОРТРЕТЕ

Портрет это гуманистическое искусство. Он предполагает любовь к человеку – со всей присущей ему сложностью. Это сложный жанр поскольку предполагает способность соучастия страданиям, к сопереживанию человека, участие в его духовной жизни. Художник способен активно воздействовать.
Человек – это образ и подобие красоты, премудрости Божией.
Я стараюсь в каждом человеке увидеть сохранённые и искуплённые образ и подобие Божие. Красота, любовь, сострадание, мужество – эти качества всемирные, космические. Их мы воспеваем в искусстве. Насколько в человеке преобладает добро – настолько он и просветился, настолько его лицо стало светящимся, богоподобным. Например, портретные образы Рембрандта очень добрые, сострадательные. Поэтому он великий художник-творец, а не просто вируоз-ремесленник.
Портрет предполагает сходство внешнее физическое и внутреннее душевное, расположение души и наполненность духа. Пейзаж ты судить не можешь, так же как и абстрактное полотно.

Николай Трофимович Гончаров

Основатель молодёжной христианской организации …

Он познал ужасы войны и хотел, чтобы молодёжь
Сталин приказывал убивать себя, а это грех малодушия. Он правильно повёл себя и правильно жил. Прекраснейший русский человек,
Лицо мощной личности, открытое большой лоб
Всегда улыбался, говорил о положительном необыкновенное обаяние.
Большое положение занимал в американской православной церкви.
Встречал патриарха Московского и всея Руси Алексея II-го в 1994-м году.
          Фронтальность, открытость личности. Такая композиция свойственна изображениям святых, в частности, Святителя Николая Мирликийского. Оплечное изображение предполагает сосредоточение внимание на лице. Зелёный фон – цвет спокойствия мира, умиротворённости. Красный цвет цвет духовного воспламенения. Жёлтые крести – цвет святительской мудрости. Вот такой был Н.Т. – духовно горячий мудрый и мирный человек. Улыбка – свойственное его личности гармоничное состояние души. Сходство. Всё на лице написано. Большой лоб - , волевой подбородок – свидетельствует о его силе. В его беседах чувствовался мощный логизм, размах, добрые глаза … Серебряный волосы.
Я его рисовал с натуры. Продумал, закомпоновал, синтезировал.
Он в совершенстве владел как русским, так и английским языками.
          Гончаров очень много сделал для установления мира с Россией, с Советским союзом. Перед Олимпийскими играми так накалились страсти, что Америка даже не послала свою сборную. И он объяснял президенту особенности души русского человека. И это не просто было.
Символический фон
Насыщенные цвета подчёркивают гармоническую полноту натуры. Красный, синий, зелёный и в центре золотисто жёлтый. Мажорные открытые насыщенно цвета, гармонично связанные между собой соотвотствует характеру этого удивительно сильного, доброго человека.
Он во всём соответствовал своему небесному покровителю Святому Николаю архиепископу Мирликийскому. Поэтому взятая за основу композиция иконы и цветовое решение соответствовало.
Для монументального портрета важна масштабность личности. Важна масштабность личности. Гончаров был одним из тех, кто сдержал ядерное противостояние двух систем! В портрете, написаным Александром Хароном есть соответствие художественных средств выражения масштабу личности.

ПОРТРЕТЫ ДЕТЕЙ

От Марка Святое Евангелие. Гл. 9, стих 36, 37. (С. 977)
«Приносили к Нему детей, чтобы Он прикоснулся к ним, ученики же не допускали приносящих.
Увидев то, Иисус вознегодовал и сказал им: пустите детей приходить ко Мне и не препятствуйте им, ибо таковых есть Царствие Божие.
Истинно говорю вам: кто не примет Царствия Божия, как дитя, тот не войдёт в него.
И обняв их, возложил руки на них и благословил их».
                                                                  От Марка Гл. 10, стих 13 – 16.

Если не будите как дети, не войдёте в Царствие Небесное говорит нам Бог и с любовью благословил их Господь Иисус Христос.
Потому что в детях есть чистота, ясность, знание, что можно делать, а что нельзя - это совесть незапятнаная. Все детки дают импульс к творчеству.
Ангелы исполняют волю Божию, поэтому у них отрешённые лики от земных забот. Дети – они как ангелы, так как закон Божий записан в их сердцах. Они чувствуют что хорошо, и что плохо. Поэтому они так похожи на ангелов. Они всё прекрасно понимают и знают. Потом люди заглушают голос совести и по каким-то выгодам, прельщениям бесовским кажется, самооправдываются.
М.Э. Нестеров «Видение отроку Варфоломею. 1889-1890; «На Руси» («Христиане», «Душа народа», 1914-1916, Третьяковская галерея).
Лирический портрет.
          «Портрет Машеньки» (1998) родилась в Сан Диего. Ей 8 лет.
Она выросла в мастерской у меня на руках. Рисовала вместе со мной. Талант и сосредоточенность с детства отличали её как берег Тихого океана.
Под Голден Гейтом мостом Сан Франциско выходят иногда парусные регаты. Прогуливаясь вдоль берега, я рассказывал ей про братьев Грин. Писал исторический роман-транскрипт: ,,Сталкновение двух цивилизаций.” Многому хотелось научить её. Даже в футбол играл с ней. Она теперь спортсменкой стала, но характер у Машиньке не изменился с возврастом.
Сейчас она по баскетболу капитан команды девочек Мерси Хай Скул в Сан-Франциско, и при этом она очень хорошо рисует и разбирается в изобразительном искусстве.
          Совместная выставка Американских и Украинских художников в 2000 году в Сити Холле Сан-Франциско, Маша в интервью по телевидению сказала: ,,Этот прекрасный портрет все люди могут увидеть”.
Машенька бежала по песчаному берегу подобно полёту чайки, свободно парящей над водами.
          «Портрет Марии» (2008). Когда ей исполнилось 18-ть лет.
Она впервые в жизни приехала в Одессу на летние каникулы и ей очень понравилась архитектура центральной части города. Конечно, после раздолья тихо-океанской береговой полосы, Одесские пляжики оказались маленькими, но уютными. Она много плавала, каталась на яхте и была довольна поездкой в тёплую летнюю Одессу.

ЖЕНСКИЕ ПОРТРЕТЫ

«Портрет Людмилы» (1997).Пейзаж за портретом. Город Лафайэт. Гора имеющая давнее мексиканское название - Бычья голова.
          РАЗЛИЧИЕ ПОРТРЕТА И ИКОНЫ
Икона – преображённая Святым Духом обожженная плоть.
Портрет – присутствие душевного эмоционального плана, связанного со страстями, неуспокоенными чувствами. Отсутствие статики, симметрии, с помощью которой в иконе обозначена гармония – отсутствие внутренней борьбы. Композиция портрета ¾.
Маска – слепок, снятый с лица, когда дух покидает тело. Слепок несёт печать смерти. Маска фараона золотая выражает сверхвременное, надличное, надындивидуальное.
Икона несёт цель –перевести молящегося человека в другой план бытия.

БОЛЬШИЕ ГОЛОВЫ.

От икон Московского Кремля «Оплечный Спас», «Спас – мокрая брада», «Ярое око» до портретов К.С. Петрова-Водкина «Автопортрет», «Андрей Белый», «Анна Ахматова» мы видим устремление русских иконописцев и художников к монументальности.
Христос Пантократор – в куполах древних храмов. Монументальное искусство взаимосвязано с архитектурой. Храм являет собой модель мира: его основание – квадрат или прямоугольник являет землю, со свойственными ей векторами ориентации по сторонам света. В плане храм образует крест. Это достигается не внешней конфигурацией, а организацией внутреннего пространства. С помощью столбов (4, 6) образуется центральный неф – проход, своеобразный коридор, ведущий к алтарю - более широкий, нежели боковые (по его сторонам). Трансепт – это поперечный неф. Вместе они образуют крест, над центром которого возвышается купол. Архитектурная система направляет движение человека по центральному нефу через паруса (евангелисты) в подкупольное пространство, где он оказывается в средокрестии – центре образованного центральным нефом и трансептом. Круг, проекция купола не имеет начала и конца. Он является символом вечности. Находясь в подкупольном пространстве, человек соединяет линейное планковое время (квадрат земли) с бесконечностью духовного неба, представленного полусферой купола, в центре которого, как правило, изображён Иисус Христос в виде Вседержителя – Пантократора. Примером тому может служить образ, созданный византийскими мастерами в храме Святой Софии в Киеве (1037).
Величина образа Вседержителя определена его соразмерностью с архитектурой храма, синтезом изобразительного искусства и архитектуры.
Архитектонический характер ансамблей росписей Московского Кремля является продолжением великой Византийской Палеологовской эпохи, Константинопольских росписей, фресок, мозаик.
Монументальное изображении человека как личности основано на религиозно-философском и художественно-эстетическом мировоззрении художника.
Стремление превратить лицо в лик. Увидеть и выявить в лице лик.
Монументальное искусство заключает в себя картину мира и должно быть архитектонично, то есть взаимосвязано с архитектурой интерьера и экстерьера. Большие размеры портрета не делают персонаж монументальным.
Монументальное искусство создаётся соборно на основе духовного опыта просвещенных … Человек, находясь в храме, включает себя в целое, Даже если он находится там один, он воспринимает себя с позиции коллективного сознания, отобравшего самое ценное. Художник достигает монументальности когда идет от большой идеи.
Станковое искусство предполагает доминанту конкретной личности – как при создании произведения, так и при восприятии его зрителем.
Портреты Ренессанса монументальны, поскольку в них присутствует величественный дух. Идут от большого – к малому.
Художник сам должен быть зрелой личностью, философом и высоким профессионалом, чтобы уметь воплотить свои идеи посредством изобразительного искусства. Как может художник выразить свои мысли, если он не умеет рисовать?
Советский период. На демонстрациях люди несли огромные транспоранты с портретами вождей. Социальная идея подменила идею вечную.

ОБ ”АВАНГАРДНЫХ” ХУДОЖНИКАХ И ИХ ПОСЛЕДОВАТЕЛЯХ.

Сейчас художники “авангардисты” не работают коллективно и не служат народу, а доминируют личные амбиции, незнание и неумение.
Они сознательно отказываются от восприятия коллективного опыта замыкаясь глубоко в себя, и потому учиться у них не возможно, а подражать не имеет ни какого смысла.
Индивидуальное невежество становится воинствующим, утверждая себя под лозунгами: «Я так вижу!». Происходит подмена ценностей и искусство, лишённое корней коллективного опыта предшествующих поколений возвышает себя как «современное», «авангардное». Оно подобно смятому газетному клочку летящему в огненную бездну.
          «Рождение Афродиты». Портрет Сонечки Лефи.
Портрет - когда переростает филосовские задачи становится картиной.
 Детская игра и театр. Волошин «Детские игры».
Пикассо «Девочка на шаре». Символический мир театра. Девочка образует шар жестом рук вокруг головы. Жест рук девочки ритмически включает её в сферу земли. Жестом рук девочка формирует многогранник – овал. Свет – естественный свет солнца, отражённого зеркалом моря. Вода – серединный план между стихией земли и неба. У иконы мало земли - позёма. Это модель духовного мира.
Александр пишет нимбы святых. Нимб – круг вечности.
          Пространство – Леонардо – Джоконда. Панорамные пейзажи. Балерина – но не интерьер.
Игра как состояние души. Чистота девочки созвучна гармоничной чистоте вечной природы. Море – вечное возрождение. Отражающее небо море – обладает качеством «безвесия». Это серединный план между стихией воздуха и тяжестью плотной земли, с присущей ей силой притяжения. Художник находит адекватную форму душевному состоянию ребёнка, стремящегося встав на пуанты, ощутить реальность парения …
Главное – кого изображает художник, как изображает и какой художник изображает!
Кто пишет и кого изображает художник.
Двойной портрет – девочка смотрит на мир не только своими пытливыми глазами, но и взглядом художника. Портрет – всегда слагаемое художника и модели. Как сказал Леонардо да Винчи: «Где мысль не работает вместе с рукой – там нет художника».
Взаимное проникновение. Все мы связаны в мире и каждый человек является зеркалом для другого. Мы можем понять себя, вглядываясь в лица других. Культуролог Бахтин писал, что Достоевский не дал ни одной авторской характеристики своим персонажам. Все они воспринимаются через отношение к ним других героев его романов.
Именно взгляд художника даёт монументальность образу семилетней девочки, которая вчера была ангелом, а сегодня пошла в школу.
Глаза земли. Волошин.
Фон–одухотворённая земля. Её надо оживить Образом.
Петров-Водкин писал, что художник – глаза человечества. Он выборный из широкой толщи народных масс. Его глаза …
С. 145 моей диссертации красной.
Девочка стремится понять мир. Художник Александр Харон через движение рук включает её в мироздание. С помощью ритмического повторения сфер: Космоса, земли, воды, жеста рук, головы, глаз художник выразил идею произведения. Она заключается в том, что глаза в портрете Сонечки  Лефи являются центром и композиционным модулем всей картины.
Таким образом, девочка заключена в гармонию мироздания.
Если у Вермера «Девушка с жемчужной серьгой» падающий свет образует целостность лица, глаз и жемчужины образуя повествовательный образ, то у Александра Харона внутренний свет исходит из зрачков глаз девочки образуя алегорический образ.
Греки. Масштабность Человека и Космоса. Единичное и общее.
Макро и микрокосм. Но антропоморфный Космос.
Материальное сознание в природе. Стихии – вода, небо, земля, огонь, воздух. Боги чувственно-конкретны как сама природа. В антропоморфных образах они несут в себе энергию стихий. Наиболее адекватной формой для этого является фигура человека, но лишённая индивидуального сознания.
Создание поэтически-живописной метафоры.
Новый миф: Рождение Афродиты. Александр Харон его обновил и дал новую жизнь. Светящаяся матовая жемчужина – море, жемчужина в море и глаза девочки.
Кандидат искусствоведения Н.Е. Порожнякова заметила ассоциативную связь ритмической трактовки фона портрета «Детство Афродиты» А. Харона с энергетическими волнами пространства картины Святослава Рериха «Господом твоим» («Се человек»). Поскольку Александр не видел этого произведения, общность свидетельствует о способности художника передавать духовную реальность. В тоже время художников объединяет общее культурное наследие - провославие. Можно отметить общность сферического пространства в апсиде и куполе христианского православного храма.
К илл. С.Н. Рерих «Господом твоим» («Се человек») (около 1960 г.)
А. Харон Роспись в куполе храма в Усатово (1975).

 

ПРЕОБРАЗОВАННОЕ  ПРОСТРАНСТВО ИСКУССТВА.
В искусстве модернизма присущее академизму аполлонически ясное выявление массы в пространстве сменилось хаосом дионисийства, с соединяющим всё в непрерывную цепь смертей и рождений9. Таким образом, жизненно важной явилась задача обретения утраченной связи феноменального и ноуменального мира. По мысли П.А. Флоренского, «цель художества – преодоление чувственной видимости, натуралистической коры случайного, и проявление устойчивого и неизменного … Иначе говоря, цель художника – преобразить действительность. Но действительность есть лишь особая организация пространства; и, следовательно, задача искусства – переорганизовать пространство, то есть организовать его по-новому, устроить по-своему»10. Флоренский П.А. Анализ пространственности в художественно-изобразительных произведениях // Павел Флоренский. Иконостас. Избранные труды по искусству. СПб., 1993. С. 325
          В пространственном построении композиции К.С. Петрова-Водкина можно заметить приёмы, родственные тем, которые помогали итальянским мастерам XV в. создавать ощущение монументальности, декоративности и панорамности изображений. Мастера раннего Возрождения вместе с иконографией возродили впечатляющую выразительность античных рельефов, где жизненная убедительность сочеталась с условностью пластического решения, и перевели её на двумерную плоскость стены и холста.

Двух мерное пространство вовсе не означает астрономическую гипотезу космического слоённого пирога, а имеет прямое отношение к горнему миру-миру символов и образов.

Портрет

Величественность этого образа создана во многом благодаря контрастному сопоставлению масштабов всадников первого и дальнего планов, при отсутствии среднего. Подобные симметрично расположенные всадники в разнонаправленном движении присутствуют и в изучаемой нами картине русского живописца. Как в ренессансной росписи, пространство в «Купании красного коня» воспринимается как бы увиденным с высокой горы. Возвышенное относительно зрителя положение персонажа на коне определяет направление взгляда снизу вверх. Как и флорентийский мастер, К.С. Петров-Водкин создаёт ощущение рельефности формы фигуры всадника и коня, используя тоновые градации. Сюжет купания предполагает изображение обнажённого тела юноши. Лишение одежд выключает персонаж из конкретного исторического времени и приобщает к всеобщему.
М.А. Волошин отмечает, что символ – это всегда переход от частного к общему, поэтому «символизм неизбежно зиждется на реализме и не может существовать без опоры на него. Здесь лишь одна дорога – от преходящего к вечному». Отсюда философ заключает, что символизм по существу своему ясен и прозрачен [53, с. 445-446]. С.С. Аверинцев подчеркивает, что смысловая структура символа «многослойна и рассчитана на активную внутреннюю работу воспринимающего» [1, с. 157].
Для понимания глубинного смысла мифологических образов в изобразительном искусстве ключевыми являются слова А.Ф. Лосева: «миф есть непосредственное совпадение общей идеи и чувственного образа» [127, с. 411]. В этом состоит «диалектика мифа», изучению которой посвящен программный труд философа [123]. В исследовании мы опираемся также на утверждение П.А. Флоренского о том, что «всякое изображение, по необходимой символичности своей, раскрывает своё духовное содержание не иначе как в нашем духовном восхождении “от образа к первообразу”, то есть при онтологическом соприкосновении нашем с самим первообразом» [257, с.56]. Философ считал, что рождение художественного образа (в отличие от простого “изображения”) происходит при условии, что художник соприкасается с духовной реальностью, то есть с первообразом. Именно тогда «чувственный знак наливается соками жизни» [257, с. 56].

ПОРТРЕТ

Необходима интуиция, но ни в коем случае не эмоции. Ты зациклился на его, а практически на своих негативах, которые ты увидишь в нём. Надо увидеть в модели только позитивное и воспевать только позитивное. Поэтому художник более всего любит писать детей.
Когда человек сам с эмоциями пишет, он не может быть справедливым. Всегда в человеке увидеть доброе – вот наша задача. Это всё равно, что ты будешь писать гниющие фрукты. Кому это будет интересно кушать. Никто не предпочёл бы загнивающие фрукты свежим. Вот почему художник должен искать в натуре добро, первообраз. Это уводит нас от умирания, тления (как гниение фруктов).
Голландцы - протестантизм.
В православии – вечный побеждающий дух.
Серафим Саровский: «Радость моя Христос Воскресе! В нашем народе утвердилась пасха. Мажорные тона. Свойство западной церкви – смертная память, страдания, крестные страдания. На этом идет акцент западной церкви. Поэтому все произведения З.Ц. в основном с распятием, страданием, оплакиваем, снятием со креста. Восточная ц. воспевает пасху. Смерть – где твоё жало? Христос бо воскресе! Мажор. Сошествие во ад не пугает нас потому, что воскресший Христос спускается в Ад. Христос воскресе из мертвых … Пасха нетление, мира спасение. Вечная пасха. Вечная радость Бога. И жизнь жительствует!
В портрете увидеть человека нетленным. Увидеть в человеке первообраз.
Средства – восстановление космоса в его красоте-баланс, гармония…
Портреты несут в себе печать духа святого, который одухотворяет всё, к чему прикасается. Поэтому приятно писать святых и детей. Поэтому Христос сказал «Будьте как дети и войдёте в царствие небесное».
Это и чистота, простота и ясность.
Можно убедиться, что художник использовал выработанные выразительные пластические формы-формулы тела, прибегая к вариации.
Николай Трофимович Гончаров (см. …)
ТЕМА ВДОХНОВЕНИЯ. КАКОГО ДУХА ВЫ ЕСТЕ?          Дорогие собратья художники следите какой дух нами движет?
Удовлетворение от приятного мирного духа – вдохновение – когда все логарифмы сходятся, вписываются в большую форму: и в отношения, и в композицию, письмо …
От логики, что всё разумно, логично, ритмично, космично, а значит культурно, художественно, божественно красиво.
Олицетворяет нашу эпоху и при этом настоящее искусство несёт только воспевание добра, позитивный дух, созидательную творческую энергию. А дух раздражительности уничтожения разрушения уныния или каких-то других греховных чувств несут на себе заряд отрицательного нечистого духа. Начинают ломаться большие формы, диспропорция, дисгармония, неопределённость. Дисбаланс композиционный является проявлением нечистого разрушительного духа, который сам по себе существовать не может, но проявляет себя через разрушение созидательности композиции, форм, гармонии цвета, и нет света в нём.
Зла самого по себе нет. Зло это искажение добра. Поэтому дьявола называют обезьяной Бога. «Смотрите – какого вы Духа есть?» и какой Дух вы несёте. Поэтому мне и не нравится, когда начинают рекламировать зло. Чему они могут научить, если они не несут культуру то разрушают и разрушаются сами.
В музыке Бах – космическая гармония, красота.
История показывает, что остаётся только созидательный добрый дух, а всё нечистое потребляется, исчезает и никто не помнит его.
Искусство должно быть созидательным, радостным,добрым. Рембрандт пишет о больших качествах.
Всё видеть, всё понять, всё знать, всё пережить,
Все формы, все цвета вобрать в себя глазами,
Пройти по всей земле горящими ступнями,
Всё воспринять и снова воплотить.
                                                                   М.Волошин
Во времена социальных кризисов обостряется дисгармония духовного, душевного и телесного начала. Художники оказываются не востребованными в обществе, сосредоточенном на материальных (а значит, тленных, преходящих) ценностях. Несмотря ни на что, истинные мастера выполняют своё жизненное предназначение – создают «картину мира» своего времени. Мы все дополняем друг друга. Художник К. Петров-Водкин называл художников «глазами человечества», «выборными из широкой толщи народных масс».
Из Витражности:
О том же писал и Соловьев, и современник Гуро и Матюшина отец Павел Флоренский: “Метафизический смысл ... подлинной символики, не надстраивается над чувственными образами, а в них содержится, собою их определяя, и сами то они разумны не как просто физические, а именно как образы метафизические, эти последние в себе неся и ими просветляясь”47. Вл. Соловьев ставит высшею задачей искусства задачу теургическую. Под ней он понимает “преображающее мир выявление сверхприродной реальности и высвобождение истинной красоты из-под грубых покровов вещества”. В этом смысле “художники и поэты опять должны стать жрецами и пророками, но уже в другом, но еще более важном и возвышенном смысле: не только религиозная идея будет владеть ими, но они сами будут владеть ею и сознательно управлять ее земными воплощениями”48.
Материал художников не просто краска, но цвет, сформированный чувством и мыслью. Художники творят реалистические символы соединяющие земное с небесным. Эти символы едины для всех времен потому, что они истинны. Живопись предполагает “настрой” на тонкую духовную волну. Если есть совпадение тонких энергий воспринимающего с теми, что заложены в произведениях, происходит соединение энергий и обретение зрителем возвышенного состояния, радости присутствия в духовном пространстве.
ИКОНОПИСЬ. Интервью с АЛЕКСАНДРОМ  ХАРОНОМ.
Написание ликов.
Я стараюсь быть ближе к подлиннику и оставить дифференциацию цвета ближе к византийскому подлиннику как это делал Феофан Грек. Каждый этап работы над ликами должен быть символичен, дифференцирован, так как мы не имитируем реальность, как это делает фотоаппарат, а мыслим образами, как при молитве мыслится образ.
В иконописи существует два света:
1. Божественный свет, исходящий от отца светов;
2. Внутренний, исходящий от личности святого. Так же и в живописи – потому, что человек сотварён по образу и подобию Божию.
              Мистическое значение цвета.
Санкирь, плавка, сарка, три охры, оживки и болюс наносятся на левкас лисировочно трижды. И я подбиваю один цвет к другому, одновременно дифференцирую их.
Подойти к написанию иконы литургически (сохранить канон) и творчески (совместить каноны разных эпох. Например, мистический образ Пантократора совместить с Синайским портретным изображением.
Я исследовал художественную форму и византийский канон Палеологовской школы и пришел к космическому выводу.

ОСНОВНЫЕ ЗАКОНЫ ЖИВОПИСИ

Цвет формата всего произведения должен переходить через весь формат. Это значит, что основные цвета должны переходить через весь формат, образуя целостную живописную ткань.
(Джексон Полок это понятие возвёл в закон. Но без композиции).
Живопись – это соотношение теплого и холодного. Вместе они образуют колорит произведения. При прямом солнечном освещении бывают света тёплые, а тени – холодные. При этом падающая тень ещё холоднее и контрастнее, чем собственная тень предмета. Пример: вся европейская живопись. Художник пишет в студийном освещении, где света холодные, тени тёплые, а полутона сероватые. Точно также и при пасмурном освещении на улице: в светах холоднее, а в тенях теплее так как отражается голубое небо. Сильная контрастность присутствует только при солнечном свете. При пасмурном освещении тепло-холодность каждого собственного цвета предмета сближена, а при солнечном – контрастна в тоне и цвете, поэтому на снегу тени пишут ультрамарином, а света белилами с кадмием оранжевым.
Харон и Мельник.
Всё причёсано, всё спокойно. Эмоциональность подчинена духу.
У Мельника страстно выплеснута. Мельник старается высказаться одним махом – подобно Ван Гогу – мелит муку.
 Художник Филипп де Шампель был академист – янсеннист.
О шедевре.
Меня всегда интересовал и волновал шедевр – это когда всё есть на полотне и ничего нельзя изменить, добавить или отнять. Минимум средств и махимум выражения. При таком напряжении художник выжимает все духовные, душевные и физические силы из себя.
О цвете.
Когда большая палитра красок у ученика, то необходимо её учителю селекционировать для гармонии.
Есть в еде культурные правила и в искусстве также есть правила гармонии и нужно придерживаться их.
Надо задачи ставить перед собой, и законы живописи знать где теплее и где холоднее и как гармонизируют между собой цвета, а иначе будет обильная мазня, которую только мастер сгармонирует.
Пример академика Капицы.
О необходимо иметь знания – чтобы точно ударить кистью по форме на плоскости холста, чтоб картина ожила и стала шедевром.
На одной европейской выставке были представлены современные ракетные двигатели. Русские разработки двигателей были блестящими – простыми и ясными. И был выставлен сложный американский двигатель.   Он был полностью обшит металом, и оставались сутки до открытия выставки, но американский двигатель не заработал на его испытании. Учёным было предложено починить двигатель за миллион долларов.   Многие пробовали, но после консилиума сделали заключение, что это невозможно. Тогда Советский академик Капица попросил большой молот и, обойдя двигатель, ударил трижды в нужную точку. Двигатель заработал.   Все удивились и заапладировали, но деньги платить не захотели заявив, что нельзя платить миллион долларов за 3 удара молотом. Тогда Капица им ответил: ,,За три удара можете заплатить мне $1 доллар, а за то, что я знаю – куда и как ударить $999999 долларов.”
Этот пример для меня всегда актуален - минимум средств и максимум выражения; а для достижения поставленной цели я должен использовать знания, умения и данный мне Богом талант.
Второй пример – как на французской выставке был представлен чистый холст в рамке с надписью: «Нетронутые чувства». Автор выиграл конкурс и получил премию $100 000 долларов. Да, название хорошее! Но пустой холст можно сравнить с голым королём из сказки Ганса Андерсена.
Современные идеи в изобразительном искусстве.
После этого я решил, использовать современные идеи так как они созвучны жизни и в искусстве находить им соответствующее формальное художественное воплощение.
Прежде всего: идея, образ, композиция, рисунок, затем гризайль (тоновое решение), а потом уже живопись – колорит (тепло-холодность) и «горячее прикосновение» («hot touch») – энергичный мазок.
Для сохранения произведения, его необходимо покрыть лаком.
Леонардо да Винчи перед тем как приступить к холсту или доске всегда заготавливал лак и продумывал композицию до малых диталей.
Коллективное искусство есть симфония разных мастеров.
Внимание к мощному коллективному искусству средневековья, выработавшему ясные формы для приобщения человека ко всему его роду в космическом масштабе, естественно для Петрова-Водкина, как и для его единомышленников М.Бойчука, Н.К.Рериха, П.Н.Кузнецова и др., стремящихся восстановить прерванные связи человека с космическим божественным миропорядком. То есть, осуществить средствами искусства гармонию в сотворённом произведении.
Черты монументально-коллективного и станково-индивидуального искусства ( по терминологии В. Н. Прокофьева )37 сливаются в творчестве Петрова-Водкина в сложное целое. Образ его всадника в “Купании красного коня” полон ясности символического образа. Он создан человеком новейшего времени с достаточно сильным внутренним миром.
Язык символических форм требователен. Ему нужна чистота и ясность. Живописец нашел опору в отточенном веками великими мастерами образа иконописного древнерусского искусства. Изучая произведения западных старых мастеров, он понял, что “живопись, <…> полагающая смысл в неорганизованном композицией предмете, становится скучным натурализмом…”38. Отсюда – строгая, продуманная смысловая организованность всех элементов на холсте Петрова-Водкина.
Интересно его высказывание о взаимосвязи декоративности и психологичности изображения: “Форма и цвет, облекающий эту форму, есть живопись. Обоснование живописи в этих элементах. Затем способов её создания или подхода к ней суть два: одинаково важные и дополняющие друг друга. Это – 1) декоративность и 2) психологичность изображаемого. Первое без второго и, наоборот, не будет Искусство образа <...> Вся сущность или, вернее, ответственность ремесла живописи в том и заключается, чтоб постоянно уравновешивать эти две стороны,  то есть внешними резкими путями провести свою душу – самое тайное рассказывать грубым языком, окаменелым и неподвижным, то есть цветом и формой, и записать это навечно (курсив Петрова_Водкина – О.Т.)”39.
Ольга Андреевна Тарасенко - доктор искусствоведения, профессор,  академик МАНПО член Союза художников Украины, заведующая художественно – графической кафедрой Южноукраинского Государственного Педагогического Университета им. К. Д. Ушинского.

Перевод на английский язык сделал Гарнет Чени.
Перевод на французкий язык сделал Жан Клод Лямван.
Инстоляцию на вебсайт сделал И. Ю. Жуковский.

              WWW.AKHARON.COM